Am Morgen des 24. Februar 2022 heulten Luftwarnsirenen durch die Straßen Kiews und kündigten eine groß angelegte russische Invasion in der Ukraine an. Als der Komponist Adrian Mocanu das Geräusch hörte, reagierte er seltsam. „Ich dachte, Meerjungfrauen klingen wie das Heulen riesiger Wölfe“, sagte er mir in einer E-Mail. Die akustische Illusion verfolgte ihn und letztes Jahr schuf er ein Stück mit dem Titel „Time of the Wolves“, das Aufnahmen von Meerjungfrauen und Wölfen zu einer schwelenden, unheimlich erwarteten elektronischen Klanglandschaft verschmilzt. Der Titel spielt auf den Michael-Haneke-Film „Die Zeit des Wolfes“ an, in dem eine Familie durch eine verseuchte Landschaft wandert, sowie auf das altnordische Epos „Völuspá“, das den Satz „Zeit des Windes, Zeit des Windes“ enthält Wolf, bevor die Welt untergeht.

Seit 2022 stehen ukrainische Künstler im Rampenlicht, und Komponisten bilden da keine Ausnahme. Ihre Werke sind in Programmen auf der ganzen Welt zu hören, von Elite-Festivals für Neue Musik in Europa bis hin zu, seltener, amerikanischen Orchesterkonzerten. In einer aktuellen Online-Übertragung des Dallas Symphony Orchestra unter der Leitung des ukrainischen Dirigenten Kirill Karabits sind Victoria Polevás Cellokonzert, eine traurige postminimalistische Meditation, und Anna Korsuns „Terricone“ zu hören, das die Verwüstung im Donbass heraufbeschwört, indem es die Dolmetscher dazu auffordert schreien. während der Eröffnungsmaßnahmen. Mitte Januar war das Prototype Festival und der ehrwürdige Veranstaltungsort La Mama im East Village Gastgeber der in Kiew ansässigen Organisation Opera Aperta mit einem zweistündigen Musiktheaterstück mit dem Titel „Chornobyldorf“, das die Folgen einer verzweifelten Zukunftskatastrophe darstellt. Dystopien erfreuen sich in der zeitgenössischen Unterhaltung großer Beliebtheit. In der Ukraine gelten sie als schnörkelloser Realismus.

Wladimir Putins Versuch, die Ukraine zu vernichten, basiert auf der völkermörderischen Idee, dass die Nation keine eigene legitime Identität hat. Allein der Reichtum der ukrainischen Musikgeschichte, die Jahrhunderte zurückreicht, reicht aus, um diese Behauptung zu widerlegen. Gleichzeitig ist die Frage der Identität komplex. Die Zeiträume der russischen, polnischen und österreichischen Herrschaft über ukrainische Gebiete hinterließen ein vielfältiges kulturelles Erbe. Die jüdische Bevölkerung war einst so groß, dass Jiddisch zur Amtssprache der Ukrainischen Volksrepublik wurde, dem kurzlebigen Staat, der nach dem Untergang des Zarenreichs entstand.

Die Sowjetzeit war geprägt von brutaler, aber erfolgloser Unterdrückung. Boris Lyatoshynsky, der bedeutendste ukrainische Komponist des 20. Jahrhunderts, fühlte sich verpflichtet, den sowjetischen sozialistisch-realistischen Prinzipien zu folgen; Nach der Uraufführung seiner Dritten Symphonie im Jahr 1951 zwangen ihn die Behörden der Kommunistischen Partei, das Epigraph aus dem Finale „Frieden wird den Krieg besiegen“ zu entfernen und diesen Satz im triumphalistischen Stil zu überarbeiten. Doch das unerbittlich traurige dreitönige Ostinato des zweiten Satzes der Symphonie spielt auf das Leiden der Ukraine nicht nur unter der Nazi-Besatzung, sondern auch unter der sowjetischen Herrschaft an, und diese implizite Herausforderung wird umso deutlicher, wenn die Kiewer Symphoniker dieses Stück heute spielen.

Junge ukrainische Komponisten, die in einem völlig kosmopolitischen Umfeld zeitgenössischer Musik aufgewachsen sind, stehen vor einem anderen Rätsel. Korsun stach bei den Darmstädter Ferienkursen für Neue Musik hervor und lebt heute in Deutschland. Mocanu, der in ganz Europa ansässig war, betitelt seine Werke unterschiedlich in Spanisch, Englisch, Französisch, Deutsch, Italienisch und Rumänisch. Wie sollten europäische Künstler weltweit reagieren, wenn ihr Heimatland angegriffen wird? In gewisser Weise ist das Weitermachen wie bisher selbst ein Akt der Opposition, und genau das haben Mocanu und Korsun weitgehend getan. Doch sowohl „Time of Wolves“ als auch „Terricone“ zeigen den unvermeidlichen Druck des Krieges. In Dallas könnten Zuhörer, die sonst ihre Ohren vor Korsuns klanglichen Umwälzungen verschlossen hätten, vielleicht verstehen, warum sie keine Trostakkorde braucht.

Der Nationalismus ist eine Quelle des Bösen in der modernen Welt, aber er ist auch eine wichtige Stütze der Kunst. Am Ende werden sich nur Landsleute aus der Ukraine für die Unterstützung ukrainischer Komponisten aussprechen. Die in der Ukraine geborene amerikanische Musikwissenschaftlerin Leah Batstone hat umfangreiche Ressourcen auf der Website des ukrainischen Festivals für zeitgenössische Musik gesammelt, das sie 2020 in New York gegründet hat. Ich folgte ihr und erkundete eine belebende Auswahl moderner Musik. Klänge: Karmella Tsepkolenkos überschwängliche und chaotische Fünfte Symphonie; das schmerzerfüllte Requiem von Alla Zagaykevych mit einem Orchester aus Volksinstrumenten; „Four Rivers“, furios minimalistisch, von Maxim Kolomiiets, das an entfesselte Drachen erinnert; Alexey Shmuraks neoromantisches und ironisches Klaviertrio „Crocodile in the Bathroom“, dessen Titel ein Rätsel bleibt. All diese Musik suggeriert einen Wunsch zu erschaffen, der den Wunsch nach Zerstörung überdauern kann.

Roman Grygoriv und Illia Razumeiko, die Mitkomponisten von „Chornobyldorf“, vertreten eine anarchische, undisziplinierte und provokante Art des künstlerischen Schaffens, die zweifellos gestoppt werden würde, wenn die Nation unter Putins Herrschaft fallen würde. Sie wurden 1989 bzw. 1984 geboren und schreiben nicht nur gemeinsam Musik, sondern arbeiten auch als Interpreten, Librettisten und Regisseure zusammen und arbeiten mit den Mitgliedern der Opera Aperta zusammen. Die Gruppe brachte „Chornobyldorf“ 2020 erstmals in Kiew zur Uraufführung und präsentierte es anschließend in den Niederlanden, Österreich, Deutschland, England und Litauen. Es ist ein weitläufiges, manchmal anstrengendes, manchmal mitreißendes Multimedia-Spektakel, wie es in den letzten Jahren des 20. Jahrhunderts oft im La Mama und an gleichgesinnten Veranstaltungsorten in der Innenstadt zu sehen war.

„Chornobyldorf“ oder „Tschernobyl-Dorf“ spielt mehrere Jahrhunderte, nachdem eine Reihe von Umwelt- und Biokatastrophen die moderne Zivilisation ausgelöscht und eine Handvoll technologischer und kultureller Artefakte hinterlassen haben. Verstreute Überlebende entdecken die Ruinen der Vergangenheit und gestalten um sie herum neue Rituale. Priesterkostüme sind mit ausrangierten Leiterplatten, Kabeln und anderen Geräten geschmückt. Um einen Ausschnitt von Lenins Kopf findet ein ekstatischer Stammestanz statt – alte und moderne Kulte verschmelzen. Auf einer Leinwand hinter der Bühne projizierte Filmausschnitte erinnern an Taufzeremonien in einem überfluteten Industriegebiet.

Auch Musik entsteht aus den wirren Trümmern einer vergessenen Vergangenheit. Das Klimpern ukrainischer Volksinstrumente wie der Bandura und der Tsymbaly – das eine eine Art Harfe in Form einer riesigen Laute, das andere ein Verwandter des Hackbretts – kollidiert mit Fragmenten barocker Oper, Explosionen experimentellen Lärms und Techno-Beats. Schläge und verstümmelte Schritte. Leistungsstandards werden oft ignoriert. Bandura und Tsymbaly sind mikrotonisch gestimmt und werden gnadenlos angeschlagen. Akkordeons hängen wie Slinkys an ihren Tastaturen und ächzen, während sie sich aus- und einfahren. Der Künstler Evhen Bal erfand für diesen Anlass mehrere Instrumente, darunter eine wuchtige, aber imposante Posaune mit drei Schallbechern.

Der düstere Absurdismus und die obskure Spiritualität der späten sowjetischen Kunst prägen die ganze Angelegenheit. Die Bilder verlassener Infrastruktur und leerer Kirchen erinnern an das Kino von Andrei Tarkovsky, insbesondere wenn diese Bilder mit dem Vorspiel zu Bachs Choral „Ich ruf zu dir“ kombiniert werden, das in Tarkovskys „Solaris“ eine wichtige Rolle spielt. Manchmal verschwinden die Anspielungen in unverständlicher Dunkelheit: Den ergänzenden Anmerkungen zufolge sahen wir Manifestationen von Elektra, Dionysos, Odysseus sowie Orfeo und Eurydike auf der Bühne, aber ich hatte Schwierigkeiten, sie voneinander zu unterscheiden. Die Tatsache, dass die Ensemblemitglieder oft nackt auftreten, scheint, wenn nicht überflüssig, so doch zumindest untermotiviert. Die Aufrichtigkeit dieses Unternehmens steht jedoch außer Zweifel. Der Tanz um Lenins Kopf erscheint wie ein kathartischer Ausfluss aufgestauter Wut.

Die Stärke von „Chornobyldorf“ liegt vor allem in der furchtlosen Intensität des Opera Aperta-Ensembles. In La Mama deckten die Sopranistin Yuliia Alieksieieva, die Mezzosopranistin Diana Ziabchenko und der Bariton Ievgen Malofeiev eine Reihe von Opernstilen ab, wobei letzterer oft bis zum hohen Falsett reichte. Marichka Shtyrbulova und Yuliia Vitraniuk spielten polyphone Volkslieder mit üppiger Klangfülle. Ihor Boichuk spielte neben Flöte, Trompete und Posaune auch alle Arten von Schlagzeug. Der Cellist Zoltan Almashi, der auch ein renommierter Komponist ist, ließ in einem Moment bedrohliche Drones los und spielte im nächsten den eleganten Bach. (In einem Abschnitt mit dem Titel „Chornobyldorf-Messe“ erfährt das Agnus Dei aus Bachs h-Moll-Messe eine Reihe von Mutationen und explodiert kurzzeitig in Punkrock.) Grygoriv und Razumeiko, die sich zusammen mit den anderen auszogen, manipulierten Schlaginstrumente.

Die diesjährige Ausgabe des Ukrainischen Festivals für zeitgenössische Musik, das Ende März im DiMenna Center stattfinden wird, wird voraussichtlich ein aktuelles Kammerorchesterstück von Grygoriv mit dem Titel „Langsam 9M27K“ umfassen. Wenn amerikanische Zollbeamte es zulassen, wird der Komponist ein ungewöhnliches Instrument spielen: eine Rakete aus einer Uragan-Trägerrakete sowjetischer Bauart. Er erhielt dieses Objekt von einem Soldaten, dessen Klavier durch ein ähnliches Projektil zerstört worden war. Wie Grygoriv gegenüber der ukrainischen Online-Publikation The Claquers erklärte, besteht die Idee darin, militärischer Ausrüstung eine musikalische Stimme zu entlocken – um „ihre Energie, ihre Geschichte und ihren Schmerz zu demonstrieren“. Ein Video der Arbeit zeigt, wie Grygoriv einen Bogen auf die Rippen der Rakete legt und dabei Pfeifgeräusche erzeugt.

Eine solche Ästhetisierung der Technologie des Todes hat etwas Verdächtiges, wie Grygoriv erkennt. Dennoch fühlt er sich verpflichtet, sich einem westlichen Publikum zu stellen, das entweder auf andere Krisen fokussiert oder einfach desinteressiert ist. Die Zeiten, in denen alle anderen klassischen Konzerte mit der ukrainischen Nationalhymne begannen, sind lange vorbei. Grygoriv sagte zu Claquers: „Ich überlebe nur durch Kunst, die sich ausschließlich um Krieg dreht. Ich kann jetzt über nichts anderes reden und mich auf andere Weise ausdrücken. Das ist unsere Realität. ♦

By rb8jg

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